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走近文人画,走进中国艺术的精神空间


时间:2021-03-01  来源:  作者:  点击次数:


走近文人画走进中国艺术的精神空间

——“文人画的真性”系列作品新书访谈

作者:我们的记者陈雪施伟伟

故宫博物院藏沈周《京江送别图》(部分)

【新书访谈录】 

朱良志:北京大学哲学系教授,北京大学美学与美育研究中心主任,主要从事中国哲学与艺术之间关系的研究。著有 《石涛研究》 《八大山人研究》 《南画十六观》 《中国美学十五讲》 等。

绘画决定了中国艺术的气质

光明悦读:“文人画的真性”这套书一共16册,在“文人画”这个主题下,从元代的黄公望等到清初的八大山人,共选择了16位文人画画家进行分册解读,但这16人里没有苏轼、米芾、赵孟頫等,您是出于怎样的考虑来选择这16位画家的?

朱良志:,在我看来,自汉代以来,中国的艺术发展经历了两个阶段,以五代至北宋为节点。在此之前,可以称之为“汉唐气象”,强调一种大的气度,注重外在形式的拓展和完善。从中唐到北宋,直到元代,形成了一种新的趋势,可以称之为“宋元之境”。艺术向精致和内在意识发展。

很多年前,我写《南画十六观》调查文人画的一个关键变化。我没有写文人画史,但我抓住了一个统一的概念,即文人画的真实性,来谈绘画的内在发展变化。真理是什么?是表达人独特的生命意识,也就是说画家画画的时候,并不是你要我画什么他就画什么,也不是服务于外在的需要,比如表现英雄,或者表现功德,劝诫历史,而是通过绘画这个媒介来表达内心的感受。这一传统基本上始于唐代王维时期,但真正的氛围是苏轼、米芾、李等。北宋时期,提倡绅士精神和文学普及。

元朝试图融合南北文化,在一定程度上吸收了南宋文化,形成了特别突出的风格,涌现出了黄、倪瓒、真武、王蒙等一批一流大师,我们今天称之为“”。我为什么从元代开始写作,主要是考虑艺术的内在变化,如何在中国画中寻求新的突破,用艺术表达人们真实的生活感受,这个转折点主要发生在元代。北宋是建立规模法式风格的时期,如东垣、郭、李成等。奠定了北宋山水画的范式,建立了一套中国山水画的话语体系。在元代“宋元境界”形成之后,中国艺术触及了生命的存在、价值和意义,以及如何超越时间和历史等关键问题。

“宋元境界”强调对内心生活的感悟。艺术家觉得外在的宏大叙事很重要,但这种宏大叙事还是需要转化为内在的小叙事,转化为成年人的直接生命感知。所以我会从“真实性”的角度来写这套书。如何表达“本真”——,一种真实的生命感,既是元明清以来艺术所面临的课题,也是今天人们所面临的课题。

我是从黄开始写的,不是赵孟頫,主要是考虑理论相关性。书的重点是内在观念的改变,而不是艺术史地位的选择。元代,我选择了黄、倪瓒、真武三人,他们从三个不同的角度丰富了文人画发展的不同趋势。黄是道家,三教合一强调艺术可以突破知识的局限,就像《富春山居图》中的一个集大成者的精神,这其实是中国艺术乃至中国哲学的一个非常重要的角度。

光明悦读:您在 《南画十六观》 的基础上,重新出版了“文人画的真性”16册书,做了哪些重要的修订和增补?

我在朱良志:'s的写作中做了一些增删,在文学上做了补充。已经做了大约2/3的图文阅读和画图补充。此外,我还对文本做了一些阐述,以增强可读性,更注重每本书的独立性和完整性。

光明悦读:除了 《南画十六观》 ,这些年,您还著有 《中国美学十五讲》 《石涛研究》 《八大山人研究》 等著作,美学是艺术哲学,您从事中国哲学与艺术之间关系的研究,在诗歌、绘画、音乐、戏曲等中国传统艺术中,为何专注于绘画,特别是“文人画”作为您哲学研究的切入点?

朱良志:,我认为绘画在中国艺术中的地位相当特殊。例如,西方的景观设计师主要是建筑师,而中国古代的景观设计师绝大多数是画家,如元、石涛、等。从某种程度上说,中国画是决定中国艺术气质的独特形式。

唐代以后中国艺术的发展,从大的方向来说,是以诗为基础的,同时也是从绘画中获取更多的资本,就像我们说的“诗画结合”、“诗画合一”一样。绘画本来受书法影响,汉字最早是象形文字绘画,绘画就藏在其中。书法以笔墨为基础,具有强烈的绘画特征,影响和制约了绘画的发展。绘画是诗歌的结合,将哲学、文学等对世界的独特理解沉淀到其视觉空间中。反过来对书法产生影响,进而影响其他艺术形式,如中国建筑艺术、园林艺术、盆景艺术、篆刻,包括制瓷等。都是基于绘画。

在西方艺术传统中,雕塑自古希腊以来就发挥了巨大的作用,而在中国,绘画在艺术发展中发挥了巨大的作用

并不是研究绘画的,我是研究观念的,所以我渐渐以绘画为研究的中心来进行拓展。

  说到文人画,文人画其实既不是一个艺术派别,也不是一个时代所独有的艺术形式。文人画在一定程度上就是“人文画”——具有人文关怀的画,有心性的自由,有真实的生命感觉。文人画的特点是要淡去形式,抛却目的性,阻截很多追逐,荡却很多取悦于别人的东西,要为一己陶胸次。

  文人画要画人的最基本的生存欲求,如果要问对文人画精神影响最大的一个人是谁?我觉得可能是陶渊明,他虽然不是一个画家,但是像他所说的“寒华徒自荣”的思想,一朵在萧瑟秋风中开放的菊花,无所以求,徒然无目的地绽放着自己,这样的思想对文人画有深刻的影响。

  光明悦读:就像您刚刚说王维开启了文人画的传统,他也是“涧户寂无人,纷纷开且落”。

  朱良志:对,是这样的,王维也不以外在功利为目的。文人画之所以到现在还有这么大的魅力,就是因为它有穿透人心的力量,历史是一条绵延的长河,即使生活在不同的区域,不同的时代,但都有一些共通性,所谓“人同此心,心同此理”,我觉得文人画最宝贵的,是将这种品格表现出来,将那种“看来天地本悠悠,山自青青水自流”的永恒精神表现出来。

  中国文人艺术提供了一个节制的范本

  光明悦读:仔细看这套书,您似乎比较偏爱“元四家”之一的倪瓒,16册中所着笔墨最多,甚至评价说,“云林是一位极具创造力的艺术家,影响了六百余年来中国画乃至中国艺术的进程”。倪瓒的画有很多独特之处,比如画中总是出现一个无人的空亭。

  朱良志:倪瓒对我影响是比较大的,他是深入中国艺术和文化精髓的人。绘画是种视觉艺术。倪瓒在视觉空间方面对后人的启发比较大,画一根竹子,他说,你说它是芦苇、是麻都可以,像什么物并不重要,重要的是表达出一种“逸气”——一种独特的精神性的东西。

  他重构了中国艺术的空间形式,代表性的意象就是您刚刚说的空亭。他总是画几棵萧瑟的树,树下有一个空亭,亭子旁边几拳石头,如《容膝斋图》。亭子是人休息的地方,也是人的居所,是他对人的存在价值的一种思考。倪瓒曾画过很多居所,比如容膝斋、水竹居,但他到了中晚年的时候,慢慢都简化成一个亭子,“小亭溪上立”,意在展示人地位的渺小——在空间上,相对广袤的世界,人的生命就像一粒尘土;在时间上,相对绵邈的历史,人的存在也只是短暂的一瞬。云林要通过这“小”的宿命,来强调从“小”中逃遁,从“小”中超越。江山无限景,都聚一亭中,他要通过树下小亭的程式化描写,表现人放旷天地宇宙的情怀。

  光明悦读:所以人们说文人画里山非山、水非水、花非花、鸟非鸟,倪瓒的贡献是不是把文人画高度程式化了?

  朱良志:应该是如此,亭子是云林山水的重要道具,它的地位简直可与京剧舞台上那永远的一桌二椅相比。中国艺术简括的表达、惜墨如金的形式,到了倪瓒这里已经达到了很高的程度。

  光明悦读:但这种程式化同时带来了另一个方面的问题,有人认为山水画、文人画程式化了之后,就出现了机械的模仿和趋于单调的形式。您在书中也写到,水墨画的黑白世界、山水画中的枯木寒林,诗人欣赏的满池枯荷……都与通常所谓的“正常”审美观念有区别,总是和寒冷、枯萎、怪诞等“负面”形象连在一起。您有一篇知名文章《论中国画的荒寒境界》,说荒寒感是中国画普遍的美学追求。我们究竟该怎样理解中国画,尤其是文人画的审美特质呢?

  朱良志:中国艺术的形式,看起来好像并不是丰富的、绚烂的、热闹的,形式上越来越简括,甚至像陈洪绶这样的画家,形式上还比较荒诞。他们并不以追求我们一般讲的和谐、完美、漂亮、好看为目的。从形式整体来讲,中国艺术趋于荒寒和简朴,它淡去色彩,摒弃繁复感,摒弃能直接勾起人欲望的外在形式,要到无上清凉世界中追求自己的境界表达,这是一个主体方向。

  造成这种情况的最主要原因是观念。人类的历史就是追求美的历史,但更重要的是,人类怎么控制这双追求美的双手。蔡元培先生讲,以美育代宗教,宗教是有缺点的,追求美是没有缺点的。实际上,美的追求也是有缺点的,一味地追求美,往往会启动人的欲望,无限的欲望恣肆,贪婪地攫取美的世界,好了还要更好,要吃尽天下最好的东西,用尽天下最好的东西。但是,不是得到最好东西的人,就是世界的英雄,关键是怎么控制追求美的欲望。就像潘洛夫斯基讲的,节制原则,是人类文明前行的一个重要动力。人类既要有追求美的动能,又要有一种控制自我的能力,这就是节制。

  老子讲,“虽有荣观,燕处超然”,荣观是绚烂的东西,人类要创造美的形式,但是更要有一种美的心灵,一种控制欲望和知识的能力,这就是“超然”的情怀。没有这种节制的思想、超然的能力,文明的发展将难以延续。所以说中国艺术有尚简的原则。我们要发现美,创造美,累积这方面的能力,我们还要有另外一种控制美的能力,使美的追求更好地服务于人的生存。中国的文人艺术实际上,在这方面提供了一个关于“节制的范本”。

  光明悦读:徐悲鸿等人曾以写实的兴衰来判断绘画史之兴衰,批评文人画脱离现实,认为文人画为中国画衰败的起点与根源。但从您刚刚所说的观念角度来理解的话,文人画其实是有很深的现实关切的。

  朱良志:对中国人的精神史有大致了解后,更有助于我们去理解中国艺术发展的脉络,元明以来,元四家、吴门画派、徐渭、陈洪绶、石涛、八大山人等艺术家,通过他们杰出的创造,把绘画艺术推向新的境界,创造出中国绘画的新时代。认为元代以后中国绘画失落了唐宋传统,是走下坡路的说法,是在西学大量进入国门的情况下,对自身传统的割裂性认知。艺术发展有内在的因缘,对它有一份更细心的理解,有利于走入其内在的精神空间。当然,这并不等于说,只画枯木寒林就是好的,艺术还是应该保持它的丰富性。

  文人画是具有未来的绘画

  光明悦读:前些年的“故宫跑”,很多是为了看《清明上河图》《千里江山图》这些知名画作。近些年,文人画也越来越受到大众的关注,2019年上海博物馆董其昌书画艺术大展,2017年故宫的赵孟頫特展,2020年故宫的苏轼主题书画特展,都出现了一票难求、排队入场的情况,故宫前几年还举办过“四僧”“四王”特展。是不是文人画又在大众的关心中重新出场了?这是否正是中国文化、中国审美的内在韧性?

  朱良志:我有这个感觉,我自己也是在不停地跑展览,国内博物馆、美术馆近些年的展览有一种目不暇接的感觉,包括前两年日本举办的颜真卿的书法展,我觉得特别好。最近几年人们对东方艺术的理解,在朝着细微化的方向发展,这种发展跟我们社会物质发展状态肯定有关。另外一点,我们以前比较重视煊赫气势的艺术作品,重视皇家的传统,重视宏阔的叙述。而“四僧”等画家的作品都是很个人化的,去年故宫的苏轼主题展览受到大家的关注,就是人们对博大精深的中华文明的熟悉,又向前推进了一步。这样热爱生活的人,爱山、爱水、爱朋友、爱历史、爱月亮、爱人生所经历的一切美好的东西……苏轼把陶渊明的精神传统又向前推进了一步。

  更为重要的是,这些艺术展出使人们更能够触及中国艺术的隐微。为什么有的人讲中国的文人画它是具有未来的绘画?它就像欧洲的古典音乐一样,没有灿烂的外表,没有煊赫的气势,但照样可通过不加声张的形式,打动人的心灵。总体来讲,我觉得这是人们欣赏艺术真正开始走入“深水区”了,走入更加细微的方面,走到更靠近人的生命感觉的方面。

  光明悦读:董其昌说,他作画是“放一大光明”,强调鉴赏绘画能照亮人心灵的一隅,这就像我们现在提倡的美育,中国美学、东方艺术对当代人有哪些美育功能?

  朱良志:当代美育,一方面要让人们喜欢优美的事物,去欣赏世界,积累创造美的能力。另一方面,也要培育一种节制的态度、控制创造的能力。美的创造和欣赏,本质上是要建立与世界更和谐的关系,而后者显得更加重要。这正是中国传统美学所着力的方向。

  (本报记者 陈雪 史薇薇)


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